De la naissance du cinéma à Pasolini Cours

C'est à la fin du XIXe siècle que le cinéma se développe. Les premières projections comprennent en général dix vues animées qui ne dépassent pas une minute. Ce ne sont pas vraiment des films narratifs, mais des images illustratives qui présentent par exemple des ouvriers sortant de l'usine.

On date en général le début du cinéma au 28 février 1895, avec le petit film L'Arroseur arrosé des frères Lumière. Les premières projections publiques ont lieu dans le sous-sol d'un café parisien. C'est la première fois que la notion de film peut être utilisée, car il y a une histoire, une structure, et le but est de divertir le public (un homme qui arrose se fait arroser). C'est la représentation d'une farce. La séance est payante.

C'est avec Georges Méliès que naissent les premiers effets spéciaux. Il utilise différentes techniques, comme la pyrotechnie (différentes utilisations du feu), la surimpression, les fondus, les arrêts sur image. Il utilise également des techniques théâtrales pour créer l'illusion. Il filme dans un théâtre qu'il a acheté spécialement à cet effet. Si son univers est encore beaucoup marqué par l'esprit farcesque des frères Lumière, il se dirige aussi vers la science-fiction.

Encore aujourd'hui, certains débattent de la notion d'art pour parler du cinéma. C'est en 1908 que le cinéma devient autre chose qu'un divertissement surtout burlesque. C'est l'année où est créée la société du Film d'art. Ce n'est plus que le public populaire qui est diverti par le cinéma, les sujets commencent à évoluer. La Comédie française et l'Académie française se lient aussi au cinéma. Le potentiel artistique de ce nouveau média émerge.

Le premier grand film est américain. C'est un long métrage de 170 minutes, La Naissance d'une nation de David Wark Griffith, sorti en 1915. Il raconte la guerre de Sécession aux Etats-Unis. Considéré comme un chef-d'œuvre du genre, il remporte un incroyable succès à sa sortie.
C'est la première fois qu'on peut parler de réelle mise en scène, réfléchie et maîtrisée. Plusieurs mouvements de caméra, plusieurs plans (rapproché, panoramique) sont utilisés. Griffith utilise également un montage alterné et multiplie les points de vue. Le cinéma n'est plus du "théâtre filmé", il devient un genre à part entière.

L'expressionnisme allemand se développe dès le début du XXe siècle. Il est marqué par des films en noir et blanc qui présentent un univers de cauchemar, très angoissant. Les décors sont inquiétants, il y a un travail très important sur la lumière.
Ce cinéma inspire encore aujourd'hui les films à suspense, les films dits gothiques, et de façon plus générale tous les films où les décors et la lumière sont particulièrement travaillés pour créer une atmosphère fantastique.

Le grand tournant de l'histoire du cinéma a lieu avec les premiers films parlants. C'est la première fois que l'on parvient à enregistrer le son directement sur la pellicule. Dès 1896, diverses méthodes de synchronisation du son et de l'image ont été inventées. Mais c'est la société de production Warner Bros, alors au bord de la faillite, qui parvient à mettre au point les premiers films sonores. Les codes du cinéma sont bouleversés. En effet, les acteurs qui avaient auparavant un jeu très expressif pour transmettre au public ce qu'ils ne peuvent pas dire ajoutent désormais la parole à la gestuelle. Le cinéma parlant arrive en Europe en 1929.

La grande période du classicisme hollywoodien va de 1925 à 1955. C'est le genre de cinéma qui a défini la façon dont on fait des films. Deux points sont essentiels :

• La logique narrative est primordiale, le récit est linéaire.
• Il s'agit de raconter une histoire, il y a des péripéties, un nœud, un dénouement.

Le cinéma se divise en plusieurs genres :

• Western
• Policier
• Fantastique
• Historique
• Péplum
• Comédie musicale
• Mélodrame
• Films de gangsters
• Films de cape et d'épée
• Films de science-fiction
• Films biographiques
• Comédie

Chaque genre a ses propres codes.

C'est avant la Seconde Guerre mondiale que se développe le cinéma en couleurs.

Les films américains ont profondément marqué la façon de faire du cinéma car ils se sont bien exportés. Mais le cinéma européen est également très important. De nombreux courants s'y sont développés. A partir des années 1960, en France, c'est le courant de la Nouvelle Vague qui domine, courant cinématographique qui rejette les conventions du cinéma narratif.

Dans l'Italie des années 1960, c'est le néoréalisme qui domine, avec des réalisateurs comme Rossellini, Visconti ou encore Vittorio de Sica. C'est à ce moment que Pasolini se lance dans le cinéma. Son premier film date de 1961. Si Pasolini s'intéresse d'abord au néoréalisme, il finit par le rejeter et proposer sa propre vision du septième art.

Pasolini est d'abord écrivain et poète, mais il veut un contact moins filtré avec le réel. Il pense que le cinéma est un nouveau langage, le "langage de l'action". Il croit aussi que le cinéma est plus accessible au public, qui comprend immédiatement les images. Il confronte souvent littérature et cinéma et se pose la question de ce qui sépare ces deux arts.

Pour lui, il s'agit d'une différence de langues. Il dissocie la prose et la poésie. La prose est rationnelle, la poésie irrationnelle. Le langage cinématographique est irrationnel car il est fait d'images de la réalité. Le matériau de l'écrivain est la langue. Celui du cinéaste est la matière extérieure.

Pasolini commence sa carrière de réalisateur avec une première trilogie aux accents néoréalistes. Le cadre spatiotemporel est la Rome contemporaine. Les films qui la composent sont :

• Accattone (1961)
• Mamma Roma (1962)
• La Ricotta (1963)

Puis, il s'éloigne de ce courant qu'il qualifie de bourgeois. Il propose alors des réflexions sur les mythes religieux ou antiques avec :

• L'Evangile selon Saint Matthieu (1965)
• Œdipe roi (1967)
• Médée (1970)

Il expérimente des formes et des thèmes dans plusieurs films :

• Théorème (1968)
• Porcherie (1971)
• Les Contes de Canterbury (1972)
• Les Mille et Une Nuits (1974)

Pasolini utilise différents procédés cinématographiques, dont certains sont profondément novateurs :

• La "caméra subjective indirecte libre" : cela signifie que c'est l'image qui traduit les pensées des personnages (qui parlent peu dans les films du cinéaste).
• Les gros plans : on peut même parler de "très gros plans", avec des zooms sur les yeux des personnages.
• Le cadrage qui est souvent particulier.
• Les travellings (mouvements de la caméra qui se déplace sur des rails) avant ou arrière.

Il existe différents plans :

• Plan général (ou grand ensemble) : plan descriptif très large d'un paysage.
• Plan d'ensemble : plan large cadrant un personnage ou un groupe dans un décor.
• Plan de demi-ensemble ou plan moyen : cadrage d'un personnage ou d'un groupe en pied au premier plan.
• Plan italien : cadrage d'un personnage ou d'un groupe aux genoux.
• Plan américain ou demi rapproché : cadrage d'un personnage ou d'un groupe au niveau des poches des pantalons.
• Plan rapproché/taille : cadrage d'un personnage ou d'un groupe au niveau de la taille, le décor n'est presque plus visible.
• Gros plan : cadrage du visage d'un personnage.
• Très gros plan (ou insert) : détail isolé qui apparaît très grossi à l'écran.

Les plans peuvent être en mouvement ou fixes. On parle ainsi de :

• Plan fixe : la caméra ne bouge pas.
• Plan panoramique : la caméra se déplace en tournant sur elle-même.
• Travelling : la caméra se déplace sur des rails. On distingue le travelling avant, arrière, latéral, vertical, ou d'accompagnement.

L'angle de vue prend différents noms en fonction de la position prise par la caméra pour filmer l'objet :

• Plongée : la caméra est placée en hauteur.
• Contre-plongée : la caméra est placée en dessous de l'objet filmé.
• Caméra subjective : la caméra adopte le champ de vision d'un personnage.

Il existe différentes types de montages. Les deux plus importants sont :

• Montage alterné : succession de plans qui présentent deux actions simultanées qui souvent se rejoignent.
• Montage parallèle : juxtaposition de plans appartenant à des temporalités différentes mais rapprochés par le montage.

Il existe différentes types de transitions :

• Cut : les deux plans sont juxtaposés sans effet.
• Fondu au noir : l'image disparaît peu à peu pour laisser place au noir.
• Fondu enchaîné : surimpression momentanée des deux plans successifs.
• Ouverture/fermeture à l'iris : apparition/disparition de l'image dans un cercle qui s'ouvre/se ferme.